Duane Michals: el fotógrafo que desafió la perfección técnica y cambió la forma de entender el arte

 

Duane Michals: el fotógrafo que se atrevió a decir que muchas fotografías no son arte

La reciente desaparición de Duane Michals deja un vacío difícil de llenar en la historia de la fotografía contemporánea. No solo se marcha uno de los autores más influyentes e innovadores del siglo XX, sino también una de las voces más incómodas, críticas y necesarias que ha conocido este medio.

Mientras gran parte del mundo fotográfico celebra la perfección técnica, la nitidez extrema, los equipos más avanzados o la búsqueda constante de la imagen espectacular, Michals dedicó buena parte de su carrera a cuestionar precisamente todo eso.

Y quizá por ello sus palabras siguen resultando tan incómodas hoy como cuando las pronunció hace décadas.

La fotografía como pregunta

Duane Michals nunca creyó que la fotografía tuviera que limitarse a registrar la realidad. Para él, una cámara era simplemente una herramienta para explorar aquello que no puede verse: los sueños, los recuerdos, el miedo, el amor, la muerte, la espiritualidad o el paso del tiempo.

Su obra desafió desde muy temprano las normas establecidas. Mientras el documentalismo y la fotografía de calle dominaban buena parte del panorama artístico, Michals construía secuencias fotográficas, escribía sobre las imágenes y desarrollaba narrativas visuales que parecían más cercanas a la literatura o al cine que a la fotografía tradicional.

Su pregunta era simple:

¿Qué ocurre después de capturar la realidad?

Contra el mito del momento decisivo

Una de sus críticas más conocidas estuvo dirigida al gran maestro Henri Cartier-Bresson.

Michals consideraba que el célebre concepto del "momento decisivo" había terminado convirtiéndose en una especie de dogma para generaciones enteras de fotógrafos. La obsesión por esperar el instante perfecto podía producir imágenes impecables desde el punto de vista formal, pero no necesariamente profundas.

Para Michals, la composición perfecta no garantizaba una gran fotografía.

Una imagen podía estar perfectamente equilibrada y, sin embargo, no decir absolutamente nada sobre la experiencia humana.

La perfección técnica como enemigo

Tampoco dudó en cuestionar la obra de Ansel Adams, probablemente uno de los fotógrafos técnicamente más admirados de todos los tiempos.

La crítica de Michals no iba dirigida a la calidad de sus imágenes, que admiraba, sino a la excesiva importancia que muchos fotógrafos habían empezado a conceder a la técnica. Décadas después, esta reflexión parece más vigente que nunca. Vivimos en una época donde los sensores tienen más resolución que nunca, los programas de edición permiten corregir cualquier error y las redes sociales están inundadas de imágenes visualmente perfectas. Sin embargo, la pregunta sigue siendo la misma:

¿La perfección técnica es suficiente para crear una obra memorable?

El mercado del arte bajo sospecha

Ni siquiera el éxito comercial escapó de sus críticas.

Cuando hablaba de Andreas Gursky y de sus gigantescas fotografías vendidas por millones de euros, Michals planteaba una cuestión incómoda para galeristas, coleccionistas y museos:

¿Estamos admirando realmente la imagen o estamos admirando su tamaño, su precio y su prestigio?

Su crítica no pretendía negar el talento de Gursky, sino cuestionar algunos mecanismos del mercado del arte contemporáneo, donde en ocasiones el discurso parece adquirir más importancia que la propia obra.

Los "Fartists"

Quizá su término más célebre fue "Fartist", una mezcla entre "Artist" y "Fart" (pedo).

Con esta expresión satirizaba a aquellos creadores que abandonaban la palabra fotógrafo para presentarse como artistas conceptuales, elevando artificialmente el valor económico de su trabajo mediante discursos complejos y, en ocasiones, vacíos.

Era una crítica directa a la pretensión y a la mercantilización del arte.

Una crítica que, observando ciertas tendencias actuales, sigue conservando una sorprendente vigencia.

La lección que deja a la fotografía contemporánea

Más allá de la polémica, la verdadera aportación de Duane Michals fue recordarnos que la fotografía puede aspirar a algo más que la mera representación visual.

En un momento histórico donde millones de imágenes se producen cada minuto, donde la inteligencia artificial genera fotografías inexistentes y donde las redes sociales premian la inmediatez y el impacto visual, sus palabras adquieren una nueva dimensión.

Quizá la pregunta fundamental no sea cómo hacer una fotografía más perfecta. Quizá la pregunta sea por qué hacemos fotografías. Y quizá por eso Duane Michals seguirá siendo una figura imprescindible.

Porque nos recordó que una fotografía no debe limitarse a mostrar algo.

Debe hacernos pensar.

Debe hacernos sentir.

Debe hacernos dudar.

Y, sobre todo, debe hacernos preguntas.

Opinión de Crónicas de Pasarela

Desde Crónicas de Pasarela creemos que la reflexión de Duane Michals resulta especialmente relevante en el actual universo de la moda y la fotografía editorial.

Nunca se han producido tantas imágenes ni se ha alcanzado un nivel técnico tan elevado. Sin embargo, pocas fotografías consiguen trascender la estética para convertirse en documentos culturales capaces de explicar una época.

La moda necesita belleza, pero también necesita discurso, memoria y contexto. Las imágenes que sobreviven al paso del tiempo no son necesariamente las más perfectas, sino aquellas que consiguen capturar una emoción, una idea o un momento histórico.

Esa fue la gran lección de Duane Michals.

Y probablemente sea también el reto más importante para la fotografía del futuro.